CINEMA INTERACTIVO

El gran arte de la disociación o por qué escribir crítica es más chungo que chutarse

2008-05-10T16:10:00.002-04:00

Sin ansiedad no hay arte y tampoco hay crítica, cosa cada vez menos escaza si revisamos la spublicaciones de la red y las tristemente impresas. La mayoría de las críticas, en este caso de cine, tienen más sabor a loa o vomito de ácido que a verdadera crítica. ¿De qué ha servido el estructuralismo, la semiótica, la hermenéutica y la mayéutica? Para nada, no han servido para generar unos cuantos ladrillos que se quedan en las bibliotecas o bajo el brazo de algún erudito callejero que busca impresionar a chicas en un atribulado bar snob de la élite intelectual. ¿De qué han servido las diatribas entre Eric Romer y Pier Paolo Pasolini sobre el cine de poesía y el cine de prosa? Tampoco han servido para nada. Supongo que todas estas rarezas y legado han ido a parar a manos de los cineastas de arte, los fichados por el cine de autor y los que no clasifican en ningún lado por heréticos y experimentales.
Si algo se resiente de la crítica es su falta de profesionalidad, de estilo y la calidad no sólo escritural, sino conceptual. Nadie hace desmontajes de las piezas audiovisuales, nadie se atreve a ver las máculas, nadie se atreve a putear con calidad y seguridad a los bodrios y a las mierdas fílmicas que saturan nuestro pequeño universo. Nadie se aventura a traspasar los límites de los autores y olvidarse de la palabrería insulsa de los cineastas que posan con sus etiquetas de raros, extraños, subvencionados y cultos. Joder, que ni en la zona de outsiders se puede clarificar quién es quién por tanta maraña cultural, paternalismo gubernamental y presiones del cine "made in Hollywood".
En España el cine de autor está castrado, primero por el monopolio y megalomanía de algunos autores que nevegaron con suerte a pesar de sus constantes divaríos, por las cadenas de televisión que marcaron un sello de amparo fatal y garantías de divulgación aunque el resultado fuera un vomitivo y por último por las subvenciones que para ser francos parece como si estuvieran lavando dinero las instituciones porque evitar el suicidio de un artista de puede hacer de mejores maneras. Ante este clima la crítica se ha dividio en la buena, la gris y plana de los grandes medios, la oscura erudita que nadie entiende bien qué dice, y por último la de los bares y clubs de alterne, que es muy probable que sea mejor y más saludable que las otras dos porque por lo menos es sincera y parte casi del propio espectador.
Es un mal momento para la crítica, lo es también para el cine y lo es para las instituciones que no acaban de ver el resultado de sus inversiones reflejadas no tanto en taquilla como en la pasión d elos espectadores. ¿Pero qué cojones es lo que pasa? Aaso no hay críticos que valgan la pena. Pues sí, sí los hay, y de sobra, pero la maoría existen en publicaciones demasiado alternativas, en medios muy frikis, en la blogsfera y claro, en los bares y clubs de alterne. Quizás los grandes medios debieran replantearse quiénes podrían dinamitar a partir de la crítica la distribución y el consumo del cine, quizás no debiéramos dejar a un lado a los inconformes y a los rebeldes que patalean con sus palabras y sí facilitar el diálogo abierto que genere interes y que conduzca a la reflexión y al replanteo de ideas a los artistas.
Pero no es así y hay que comerse el marron y olvidarse de las críticas en los dirios y las cadenas de televisión, pasar de todo y tratar de pillar a un amigo cinéfilo que después de unas birras ofrezca un consejo y especule sobre el trasfondo de cierta obra y encuentre los puntos de contacto de tal secuencia con tal y más cual libro. En fin que con la crítica raquítica y tan conservadora que tenemos no creo que lleguemos muy lejos.

Boyero y Cia o el crítico que dice que no aporta nada

2008-01-12T19:33:00.000-05:00

Boyero y Cia es uno de esos programas menos interesantes que los segmentos publicitarios. Por lo menos la publicidad intenta persuadir, obligar y seducir a los abducidos por la TV e incluso a aquellos que no son adictos de la misma. Esas ganas de mostrar las costuras explcitando el set y la hechura del programa, esa fatuidad flemática que intenta crear un sabor distanciado y frío es tan pulcro como un baño de aereopuerto, siempre higiénico, iluminado y vacío.

Lo peor es que un crítico que confiesa, está grabado en uno de sus programas, que no aporta nada pero que la crítica le sirve para comer bien, no es para pasar de alto. Simplemente es para no tener en cuenta. Expresiones cínicas, pestilentes y reaccionarias son las que sobran en los medios. Cineastas y críticos se encargan de construirse mundos que resultan ser al final más que herejía y vanguardia tristes universos sacados de los más delirantes textos del psicoanálisis. Felmáticos misóginos, tarados despistados, borrachos empedernidos, drogatas irritantes con estudios o sin ellos, sobran en las páginas del arte y la literatura.

Pero hay de todo en la viña del Señor y programas como los de Boyero y Cia. Un programa donde los invitados suelen hacerle la pelota al anfitrión y casi en ditirambos dicen fraces tan interesantes como: "me interesa el arranque", "recuperé el entusiasmo", "sorprendentemente no me gusta". Para colmo no dejan de comparar película tras película con otras películas que son incomparables. Supongo que el programa intentaba ser una inyección de esteroides para la programación mediática, pero terminó siendo el eco de las alfombras rojas por mucha alaraca que hagan con algunos cineastas de culto y obras difíciles. Pero en el fondo hay que agradecer que exista porque sino no podríamos ir al baño, preparar un bocata y tirarnos pedos mientras preparamos palomitas de maíz para ver una "peli" que valga la pena.

Otra resurrección.

2007-12-16T10:41:00.000-05:00

En algunas culturas la muerte no es más que un camino hacia otra vida y no necesariamente hay que morir de manera fisica para resucitar. La muerte se puede padecer en vida y también es un estadío de tránsito, de transformación que conduce a un cambio de piel. Muchos de nosotros hemos estado muertos muchas veces, se descargan las pilas, se mueren las ideas, nos detenemos más de una vez en el camino y no son pocas las ocasiones en que pensamos que estamos acabados. Pero todo esto no es más que parte de un proceso de continuas muertes y resurrecciones.

Ahora que vuelvo a reactivar este blog recuerdo muchos de esos momentos. Mi relación con la crítica de cine llegó por la frustración de no poder hacerlo en algún momento, o mejor, de que lo hicieran tan mal. Hay un clisé de que los críticos somos artistas frustrados, pues eso es un error, aunque suele pasar muy a menudo. Gracias a Dios he podido hacer cine, no el que quiero hacer realmente, pero lo he hecho; también he podido pintar, hacer performances, escribir teatro, literatura y ensayos, hace fotografía, diseño gráfico y explorar muchas otras aristas del arte. Y no es una pèrdida de tiempo, todo lo contrario, entre los encontronazos con algunas disciplinas y la vocación creativa he podido saber lo que quiero y esas constantes muertes, muchas veces mal interpretadas como fracasos, no hicieron más que hacerme mejor, más completo y me dieron mucha más seguridad en mi mismo.

El cine seguirá siendo una pasión y quizás el que más requiere de la multidisciplina, de una formación mucho más completa. Por eso agradezco a todos mis tutores, mentores, mecenas y amigos que a lo largo de mi carrera me han apoyado, confiado y también criticado, su conocimiento y sabiduría las guardo no sólo en mi corazón, sino también en mi práctica diária. También, otra vez, agradezco a todos aquellos que siguen mis pasos, que toman parte de su tiempo para acercarse a mis palabras y que de alguna manera, más que cautivarlos los provoco y hago reflexionar. La muerte es necesaria, pero la resurrección también lo es.

Hollywood no está en crisis

2007-08-12T13:30:00.000-04:00

Contrario a lo que se piensa Hollywood no está en crisis y eso creo que es lo peor. El aluvión de remakes, la adaptación constante de textos literarios, el versionamiento de obras de teatro y el traslado de los videojuegos a la “gran pantalla” no es más que un ardid comercial que hace del guión original (creado directamente para el cine) algo innecesario de lo cuál los productores mediocres están aprendiendo a prescindir.

Es mucho lo que se habla en los estudios, en el coctel de los festivales y esos chismes terminan llegando a los medios donde se ha creado un estado virtual del casi imposible coma que vive Hollywood. Pero todo eso es in-cierto, la maquinaria se ha refinado mucho más y está más preparada para seguir depredando con mucha más eficiencia que antes.

No es porque o haya buenos guionistas, ni proyectos altamente potables, ni estrellas glamorosas que sirvan de gacho, es que el monstruo quiere ir cada vez a lo seguro, no quiere perder un centavo y ya no quiere arriesgar mucho. Si va a Asia a comprar derechos de filmes traspasan no sólo la taquilla, sino también las fronteras regionales es porque hay un argumento sólido y una taquilla segura; si compran novelas que se han vendido muy bien y los medios han hecho eco de ella, es porque el texto está bien y ponerla en pantalla es menos riesgo que un guión original; si toman un videojuego y lo llenan de estrellas con algún argumento soso y muchos efectos especiales tienen un público masivo que consume estos juegos. En fin, que la crisis, la decadencia y todas esas boberías para detractar al amado y odiado monstruo no son más que falacias.

Hay que acabar de abrir los ojos o el cine “independiente” de “autor” o como cojones querramos llamrlo, “pobre”, “indigente”, “precario” o hecho a cojones con los medios que sean no puede ni satanizar a hollywood, ni olvidarse de la industria y mucho menos del público. Además, creo que ahora la”Industria” con mayúsculas y los que estamos fuera de ella, pero sin dejar de hacer cosas estamos en el mejor momento de la competencia. La tecnología es cada vez más accesible, los canales de distribución formales e informales aumentan y la diversidad es cada vez mayor ante una pluralidad de lenguajes que se mezclan y donde la línea del arte y lo tecnológico comienza a disolverse. Tenemos que comenzar a olvidar también las alfombras rojas, las megas-premieres en cines suntuosos y comenzar a explorar más los medios de los que disponemos ahora, reclamar los performático, lo instalativo, lo viral, en fin, pudiera enumerar miles de formas válidas para enganchar a ese espectador que siempre agradece una propuesta que lo subyugue, que lo obligue a pensar y que también lo saque del aburrimiento.

Algunas predicciones sobre el cine

2007-08-09T07:57:00.000-04:00

Normalmente la “iluminación” suele estar en casa o en el trabajo, en la calle o en algún bar, también a oscuras mientras hago el amor, pero eso de vaticinar al final termina picándonos a todos. “Vais a morir, vais a morir”, así podríamos comenzar esta ridícula pero caprichosa profecía o mejor, “El cine va a morir, va a morir”, y de esto último estoy muy seguro porque lo que hoy conocemos como cine, desde su proceso hasta su resultado múltiple de productos audiovisuales dejarán de ser lo que son ahora para convertirse en algo que ya alguien se encargará de nombrar.

Por suerte mi conciencia todavía no está alterada, quizás por eso esta profecía que al principio me pareció un chiste sea algo sectaria y a la vez mesurada. Así que manos a la obra que por fabular no creo se vaya a morir nadie, ¿o sí?

El cine y los videojuegos terminarán por fusionarse. El soporte y la definición digital más avanzados harán desaparecer al celuloide y la banda ancha dejará de ser banda ancha porque gran parte del mundo físico (casas, objetos, coches, etc…) recibirán y emitirán datos multimediales. Entonces el “cine” (sigámoslo llamando así) será fragmentario, tendrá al espectador no sólo como un consumidor pasivo, sino que además de decidir la trama, poner y quitar personajes, podrá participar también como un personaje más dentro de la historia.

Los cineastas dejarán de ser demiurgos sacrosantos y el “cine” se volverá cada vez más colectivo, más participativo, más evolutivo y quizás infinito en cuanto a las variaciones de una misma historia creada por unos pocos, pero amplificada por miles de espectadores-creadores.
De lo bidimensional se pasará a lo tridimensional. Las pantallas, superficies y objetos donde se comenzará a interactuar con este arte evolucionado cederán su espacio al espacio tridimensional por lo que los “cines” desaparecerán o se transformarán en recintos donde los puntos de vista del espectador-actor podrán ser infinitos.
La portabilidad en dispositivos miniaturizados y la movilidad será uno de los avances más significativos. No sólo podrás cargar el “cine” de otros, sino el tuyo propio donde apareces como actor y has alterado la trama. Esto lo podrás mostrar como proyección bidimensional y también como tridimensional a tus amigos, la novia o la familia.
Las escuelas de cine no quedarán en el pasado, pero evolucionarán hacia una forma nueva y abierta de aprendizaje totalmente interactiva con el sólo fin de democratizar más la tecnología, hacerla accesible a muchas más personas y hacer notar la diferencia entre arte y la producción amateur.
Los productores tendrán que buscar nuevas formas de entender el mercado, nuevas estrategias de fidelización y producción donde la colocación de productos y publicidad tendrá que refinarse mucho más, así como respetar la viralidad del producto lanzado, ya que solamente producirán una matriz que el mundo hará suya y reinterpretará y rehará a su manera en cualquier latitud.
El guionista tendrá mucho más trabajo, pero tendrá de donde aprender más ya que existirán tantos guionistas como espectadores con ganas participativas haya y recibirá estas variantes o reinvenciones ya que cada vez que se modifique la historia una base de datos recibirá la nueva modificación.

Definitivamente una locura, pero si miramos con atención a nuestro cambiante universo tecnológico ¿cuánto de lo que ayer era ciencia ficción, ahora ya no es una realidad? Y ¿cuánto de lo que ahora es una realidad tiene aspecto de ciencia ficción?

Luces en los extremos: de abedules y necrofilia

2007-07-22T20:42:00.000-04:00

A mi tía Eva, polvo al polvo

En cine un “extremista” es una especie de suicida, definitivamente un autor radical que más que excederse se adelanta a su época. Como a todo hay que ponerle etiquetas, para tranquilidad incluso de la industria, estos creadores quedan en la zona maldita de los autores de culto. Definición en lo particular todavía no muy bien clarificada y que todavía me incomoda porque coquetea con la insalubridad intelectual del guetto, la exclusión aristocratizante de las élites y otras tonterías más.

El cine de “extremos” tiene algunas obsesiones fijas como la marginalidad, la violencia, el sexo y sobre todo la muerte en sus poliédricas manifestaciones. Lo escatológico y la purga personal le dan a lo autoral una dimensión muchas veces no entendida. La sencilla razón es que como se saltan casi todas las convenciones del lenguaje y sobre todo de lo narrativo se pasa a los espacios heréticos de lo simbólico, lo conceptual y la fragmentación discursiva, las cosas comienzan a molestar. Pero la muerte en una dimensión mucho más trascendental, no es exclusiva del cine de autor, ni del cine mal llamado de “arte”, ni del peor llamado “experimental”, también pulula por el cine comercial con excesos y desmanes que la dejan mero suceso en letras cuiquitas del obituario de cualquier diário.

De la muerte épica de David W. Griffith, la sombría de un Murnau y Wiene, y la coreográfica de Sergei Eisenstein a nuestros días la muerte ha estado siempre habitando las obsesiones de muchos cineastas. Ya es algo tan natural y hasta deseado que cualquier espectador se extraña cuando en un filme no hay asesinatos, balaceras con sangre, enfermos, suicidas y accidentes. Aunque todo sigue siendo lo mismo con diferente collar, las formas de contar con la muerte en el discurso cinematográfico se han ido metamorfoseando. Unas veces de una manera descarnada, otra de una manera velada y sutil, con más o menos efectos especiales y recursos elipticos, pero lo cierto es que pueden ser incontables los filmes que podemos enumerar donde la muerte tensa las fibras del discurso.

Pero, y esto es lamentable, con el transcurrir del tiempo y la adultez no sólo de la imaginería visual, sino también de la renovación del lenguaje cinematográfico y el espectacular ascenso de los efectos especiales, la muerte comenzó a ser una presencia comercial, gratuita y banal, trivializándose su contenido culturológico, filosófico y hasta religioso. Sería muy fácil culpar de esto a la industria, pero no sería cierto. Todos tenemos una culpa colectiva formada por el universo simbólico formado por los medios de comunicación y las raíces culturales de cada latitud evolucionadas según las mareas de los espacios sociológicos, económicos, políticos y religiosos. Con mayor o menor aceleración lo cierto es que estamos más cerca y felices de lo espectacular, lo circense y escandaloso que de lo reflexivo, velado y sutil. Sin embargo, y puede parecer burdo, al final la muerte en cualquier filme por oscuro y pesimista que sea no estás haciendo otra cosa que hablar constantemente de la vida e inevitablemente aferrarse a ella porque su negación no es más que una fanfarronería absurda.

Pero para no estigmatizar, ni ser en exceso reductor, en los extremos también hay luces. Supongo que con los años uno se hace menos sectario y es capaz de tejer relaciones entre lo imposiblemente relacional. Recientemente vi la lista de filmes (eso de listas me acojona siempre) de la Asociación Derecho a Morir Dignamente que por cierto abre su página web con un poema de Dulce María Loynaz, y esta lista, que podría ser interminable, no está un filme como El bosque de los abedules (1970) de Andrzej Wajda y mucho menos podría estar, aunque para mí cabe, Nekromantik (1991) de Jorg Buttgereit. Nada que ver con nada, en apariencias. Pero sí.

El primero es uno de los mejores ensayos sobre la condición humana y suele suceder que a veces las mejores reflexiones no se encuentran en las obras monumentales, hiper-ambiciosas donde la alharaca, el ardid y el virtuosismo se mezclan a lo circense, mediático y efectista del tipo de películas como El ciudadano Kane que el bueno de Orson convirtió en un laboratorio petulante del lenguaje cinematográfico y que gracias al aburrimiento que provoca a lo largo de los años los críticos para no pasar por tontos lo ponen en todas las listas ¿trascendentes? de la “puta” mal contada historia del cine.

Pero haciendo a un lado esta digresión Andrzej Wajda pone el dedo sobre la muerte con una cinta de poco metraje, pocos actores y un presupuesto que quizás no alcanzaba para pagar la comida de los actores y te clava en la butaca y te muestra la muerte restregándote la levedad del ser y su fragilidad, pero también te muestra la vida y sus absurdos a través de desencuentros sentimentales que tocados por otra mano acabarían en burda telenovela. En el El bosque de los abedules hay una dulzura y un amargor constantes que te quedan en la boca mucho después de ver los créditos y ante la muerte total de todo lo que rodea a los dos protagonistas comienzas a apreciar mucho más la vida.

El segundo filme clasifica de gratis entro los de “culto”, esa categoría que todavía sigo sin entender ya que si el cine es bueno uno termina rindiéndole culto. Pero Nekromantik es algo más que un filme “maldito”, grotesco y cruel. Hay que ser muy idiota para dejarla como un clásico del cine gore. El filme llegó a mis manos gracias al cineasta, también “maldito” por su condición insular y su fervor en lo que hace, Jorge Molina. Supongo que quería hacer vomitar a los críticos y cineastas de la oficialidad, pero también despertar a los sumergidos. Sí, con su exhibición logró las dos cosas, pero sobre todo probar que por encima de géneros, tendencias y filiaciones, sólo hay dos tipos de cine, el bueno y el malo esté dónde esté hecho.

Jorg Buttgereit nos lleva de la mano de su ensayo dándole una vuelta de tuerca al revés de cómo se percibe y se entiende la muerte. Con Nekromantik la muerte se convierte en placer, amor y necesidad poniendo a un lado el clisé de lo patológico, lo perverso y cruel. La sangre y la violencia son una máscara para hablar de cuestiones más profundas que tocan las fibras de la existencia y cuestionan el sentido de la misma. Claro, para aquellos que dejaron sus neuronas en la placenta Nekromantik clasifica en puro gore, cinta precedida de vituperación, injurias, prohibiciones y censura que la hacen más detestable y más codiciada a la vez. Sin embargo aquí también pulula el amor, la fertilidad y la vida como una marca inevitable que tiene arrastrar la muerte porque sin vida ella no tiene el más mínimo de los sentidos.

En ambas cintas lo que más me impresiona es la honestidad y la valentía con que se enfrentan al tema haciendo a un lado los lastres culturulógicos que mezclan endemoniadamente tradición, religión y sociedad, desprendiéndose de la autocensura. En ellos la precariedad tecnológica es evidente, también es evidente la desmedida apuesta por sus particulares formas de contar olvidando lo que Hollywood ha querido imponer con sus patrones, fórmulas y conceptos. En ambos casos no asistes a la mierda matemática de los tres actos, ni a las tonterías ciegas del cine de arte, asistes a cosmovisiones personales cuyas únicas pretensiones era sofocar un deseo, una angustia, hacer cine, simplemente hacer cine para saber que los humanos aunque estemos vivos a veces podemos estar muertos.

Resucitando (otra vez) del silencio

2007-06-15T20:55:00.000-04:00

Es increíble como la marea del ciberespacio va y viene. Hay una Internet profunda, difícil y marginada, que prescinde de la publicidad y de las estrategias de posicionamiento, una Internet que le importa un pito las palabras clave, la navegabilidad y el diseño.

Esas páginas son la más alta expresión de la libertad y forman parte de un legado indiscutible de democracia que por desgracia está limitado al ciberespacio. Lo mejor de todo es que esas páginas existen gracias a los internautas que muchas veces arriesgan su pellejo para entrar desde latitudes difíciles, latitudes hijas de puta que prohíben, limitan, controlan y joden Internet.

El listado es harto conocido, se puede consultar en la web y sería trivial detenerse en esos cabronazos. Lo importante es saber que a pesar de todos, a pesar de los muros políticos, religiosos, culturales y lingüísticos una raza, la humana, se levanta sobre la mierda y lograr emanciparse contra viento y marea. Supongo que las cervezas Cristal, de dudosa procedencia, ponen a uno un poco sentimentalón. Pero es inevitable después de tanto tiempo de silencio.

Quiero agradecer a los amigos que siempre han estado al tanto de esta página, también a todos aquellos que no conozco y que recurren a ella aunque no esté tan actualizada. También quiero agradecer a los megasitios que ofrecen su link, así como a sitios de aquellos que incluso sin decirme nada me han linkeado. Juro que me pondré al día con el intercambio y que no dejaré pasar por alto estos puentes fraternales.

Ahora estoy en lo que creo mi segunda casa, Catalunya, para se más exactos en L´Hopsitalet de Llobregat. Barcelona se ha convertido verdaderamente en mi segunda casa, quizás lo fue siempre, pero llegué bajo las sombras del exilio, el dolor y la angustia que por suerte se curan más o menos con el tiempo. Hay cosa indecibles de mi periplo, hay cosas que quedaran en las raíces de mis huesos, pero otras saldrán a la luz y entonces muchos entenderán el por qué del silencio, el por qué de estas sombras insondables.

Por lo pronto esta nota es para que mis amigos se alegren y aquellos que encuentren estas páginas sepan que seguimos creando, haciendo de tripas corazón en otra tierra que ahora es más cercana y más mía. Durante los días que han de venir tendremos varias cosas: un artículos sobre el cine y la censura, otro sobre la pornografía, uno inevitable sobre mi querido Fassbinder (siguiendo la monografía que ya comencé en este blog), otro sobre cine cubano (algo que he dejado madurar durante meses) y un especial sobre cine español. A esta tanda le seguirán cosa sobre el cine “independiente” y otra monografía sobre un olvidado imprescindible que es Derek Jarman. Así que seguimos en combate y con la guardia en alto (pésimo y archiconocido chiste rojo) Mua mua y un abrazo con Vallejo a mi manera:

En Barcelona moriré con aguacero,
un día del cual tengo ya el recuerdo.
En Barcelona moriré -y no me corro-
tal vez un sábado, como es hoy, de estío.

Jueves será, porque hoy, sábado, que proso
estos versos, los húmeros me he puesto
a la mala y, jamás como hoy, me he vuelto,
con todo mi camino, a verme solo.

Yam Montaña ha vuelto, le pegaban
todos sin que él hiciera nada;
le daban duro con un palo y duro

también con una soga; son testigos
los días sábados y los huesos húmeros,
la soledad, la lluvia, los caminos...

PD: Sigo escribiendo, bebiendo y jodiendo a todo tren. A pesar de las sombras, cada vez más las puertas se abren. Guiones que aceptan, que entienden y quieren otros (eso de los "otros" son los productores) y proyectos en los que confían mucha gente buena que gracias a ellos podré hacer mi primer largo en lo que va de año. Salut y forza al canut para los amigos, los enemigos y los que no saben donde cojones ponerse.

La vida de los otros sin rencor y con astucia

2007-05-02T17:52:00.000-04:00

“El hombre desdichado busca un consuelo

en la mezcla de su pena con la pena de otro.”

Milan Kundera

El sabor beige no es del todo malo, el cine “mierdero” dejó sus convenciones en piedra con el maldito egoísmo de homogeneizar al público para no sufrir pérdidas en la taquilla. Nada de sorpresas, ni de búsqueda de sensaciones y emociones no clasificadas en los libros de psicoanálisis, el miedo, la alegría y las lágrimas en blanco y negro parecen ser suficientes para el cine made in hollywood, que no necesariamente tiene que estar hecho en USA.

Al final, a pesar de todo, por encima de las elucubraciones intelectuales trasnochadas, el pensamiento riguroso y la charlatanería del público abducido por una manida forma de contar, lo más importante es estar frente a la pantalla esperando que las luces cedan su paso a esa linterna que nos enciende la vida entre palomitas de maíz y Coca-Cola, cuchicheos y apretones de manos con alguna novia deliciosa.

Por suerte hay dos cosas reconocibles por los cinéfilos y el público asiduo. Lo primero es que todos, creo que sin mucha discusión, con capaces de reconocer, en primer lugar una historia verdaderamente conmovedora y en segundo lugar tienen la capacidad de saber cuando esta historia, por lineal o fragmentaria que sea, está bien contada.

Realmente esta es velo, o no sé si máscara, que salva a la “multipremiada” Das Leben der Anderen (2006), traducida al español como La vida de los otros. Espero que la avalancha de premios y la exaltación mediática no hayan paralizado a su director Florian Henckel-Donnersmarck quien ahora tiene la suerte o la desgracia de poder elegir entre el camino fácil de la industria y el escabroso camino del verdadero cine de autor en mayúsculas. Sin embargo, este director que fuera asistente del notable Richard Attenborough en En el amor y en la guerra, hace ya una década, quiere “que cada espectador salga del cine pensando que ha obtenido algo decente a cambio del dinero que ha pagado” y esto vibra tras el pulso de esta ópera prima.

Sin ningún pudor, ni ironía, confieso que la “peli me gustó”, que lloriqueé retorcido en la butaca, que la piel se me puso de gallinas ante el pavor que me producía aquella historia, pero después de este sabroso meneo, al salir al pasillo, al cruzar la calle para degustar un café nocturno, tengo que confesar, por respeto a quienes me leen y a mí mismo, que La vida de los otros ha sido un filme sobredimensionado que transpira un oportunismo temático de predecibilidad comercial: el estigma enlatado del comunismo (si es que lo hubo) al que prefiero llamar la salsa roja del socialismo real que adereza, después de la caída del Muro de Berlín, muchas obras más pretenciosas que serias.

Procedo de un país cuyo calco de Órgano de la Seguridad del Estado es muy similar por lo gris y represivo, lo paranoico y kafkiano, sé claramente de qué me habla La vida de los otros y a pesar de las heridas trato de distanciarme de lo efectista que pudo haber sido la lectura del filme. A estas alturas es muy probable que el viejo Occidente no tenga ni la más puta idea de lo que son los regímenes totalitarios, no puedan ni siquiera palpar la desmesura en la que desembocó el llamado Campo Socialista. Aunque también hubieron luces predominan las sombras y las heridas abiertas aúllan como víctimas de telenovelas sin enfrentar el pasado con valor. Los que no vivieron esta pesadilla miraban estas realidades a través del maniqueísmo de los medios donde todo estaba demonizado y las posiciones políticas terminaban siempre siendo extremas.

Salvo el salto temporal del inicio del filme el resto del discurso no puede ser más tradicional sobre todo en su forma que es subvertida con el corte directo y las atrevidas elipsis. Sin embargo, Donnersmarck lo que mejor maneja es el clarouscuro, el matiz, la sutileza expresiva y la redondez de los personajes. Incluso, los que más se acercan a la caricatura líder-gordo-corrupto-comunista tienen pinceladas que no te permiten excluirlos del fresco que nos ponen delante.

Por otro lado, más que reflexionar sobre un período histórico de Alemania, más que desmontar el entramado siniestro de la Stasi como órgano intrusivo que des-protegía al socialismo, hay una arista que se sobrepone al drama humano, a la crisis de identidad y de definición políticas de los artistas en una sociedad, y es que La vida de los otros también nos habla de la sociedad de hoy, de sus paranoias, de su arrebatos en aras de la libertad donde la intrusión en la vida de esos otros que somos nosotros es cada vez más atroz. Para ser honestos no veo diferencia entre la violación de la intimidad de los regímenes comunistas y los capitalistas, sea cual sea el fin penetrar la privacidad es una completa violación de derechos que genera un pánico colectivo. Cámaras, micrófonos, escuchas en los teléfonos y controles, muchas veces inservibles, en aras de la lucha contra el terrorismo nos están llevando por caminos tan equivocados como los métodos mostrados en el filme.

La astucia narrativa es lo que te engancha al filme, su tono sombrío es provocado por unos acordes tensos de las cuerdas que forman el entramado del mismo. Quiero creer que su acierto mayor es esa revelación progresiva de las miserias humanas, pero también de las riquezas entre mundos paralelos que jamás llegan a cruzarse, solo hay roces, acercamientos, pequeños choques que nos muestran una dimensión desconocida. También quiero creer que este acercamiento al tema ha sido sin rencor y que desde esta crítica abierta y honesta los alemanes puedan reflexionar sobre las heridas del pasado sin que el olvido sea pasto del futuro. Porque, con perdón de Kundera, todavía en muchas sociedades estamos bajo el agua y nuestros corazones lo único que hacen es producir círculos en la superficie.

Alfombras verdes en los Premios Goya 2007

2007-01-29T07:43:00.000-05:00

La 21ª Ceremonia de entrega de los Premios Anuales de la Academia "Goya" tuvo lugar en el Palacio de Congresos y Exposiciones del Campo de las Naciones en Madrid el 28 de enero de 2007. Todavía a estas alturas el sitio de la Academia no se ha actualizado y la prensa cinematográfica lejos de hacer una crítica sustanciosa hace ecos de la prensa sensacionalista. Pero por lo menos en Wikipedia los cinéfilos podrán encontrar los detalles de los premios.

Todas las academias siempre me han parecido sospechosas, sus reacciones contra todo aquello que pone los cánones patas arribas suelen ser interminables guerras y cuando terminan asimilando el cambio lo convierten en convención y volvemos a las mismas. Las academias suelen ser puritanas y sectarias, consideran la formación “clasica” como sacrosanta para la producción de arte y excluyen las vías informales, más libertarias y poco usuales que logran encontrar una expresión auténtica, casi siempre, condenada a la marginalidad comercial y promocional. Quizás por ese descreimiento en la oficialidad y esa duda en la “academización” fue que estuve a punto de cambiar de canal cuando comenzaron a transmitir la ceremonia de los Premios Goya pero las primeras bufonadas de José Corbacho me dejaron atónito y despertaron no poca curiosidad.

Los primeros minutos de la ceremonia estuvieron fatales. El intento de marcar la diferencia, de poner humor e impregnar de informalidad al ritual se hizo fallida por lo pedestre que se tornó la misma y la poca naturalidad de sus actores. Entre los pocos chistes buenos, el decorado “oscariano” y el fondo musical a lo Brodway, desfilaban los premiados. Algunos con una cara de gruesa incredulidad, otros con una emoción de telenovelas y algunos con un histrionismo exagerado. Lo cierto es que salvo las declaraciones de XXX, premiado por el mejor corto de animación, y las del archiconocido, Guillermo del Toro, el resto fueron discursos frívolos, insignificantes, plagados de agradecimientos lagrimales. He escuchado palabras de duros futbolistas en esta temporada que superan en elocuencia y gracia las allí expresadas.

Cada vez este tipo de evento se trivializa cada ves más, su efecto mediático lo ha llevado a subir la parada y se ha convertido en una catapulta comercial para el cine no sólo español, sino también latinoamericano. El oscuro criterio de nominación y los no poco cuestionables premios lo llevan por caminos erráticos que desgraciadamente estimulan cierto tipo de cine que oscila entre el cine beige espectacular y el cine chato realista insulso que cree cuestionar la realidad. Por otro lado el empobrecido aparato crítico de la academia no puede ser más evidente, amén de lo acertado que hubieran sido o no los premios. Y es que siguen apegados a anquilosados clisés de análisis a la hora de seleccionar y premiar. La prueba es en los premios de edición, banda sonora y fotografía, por sólo citar algunos ejemplos, la guía está en la espectacularidad, en el efecto, la convulsión, el ritmo trepidante sin tener en cuenta el equilibrio, la efectividad, la armonía de cualquiera de esos elementos en el desarrollo dramático, sin destacar la invisibilidad de estos recursos y aporte al contenido. No, creo que jamás premiaran a un editor que no deja ver su corte, jamás a un compositor que no aplastado los fotogramas, jamás a un fotógrafo que ha captado e verdadero dramatismo sin jugar burdamente con la cámara y el paisaje. Este tipo de prácticas heredadas de Hollywood persisten en casi todas las latitudes y afectan al verdadero reconocimiento de un cine fértil y delicioso, arriesgado y comprometido.

Si algo enrareció la ceremonia fue el discurso de Ángeles González-Sinde, la nueva presidenta de la academia. Es raro que una guionista de oficio sea quién esté al frente, es raro también que procediendo de una zona rebelde y conflictiva, incluso hasta maldita, como la del guión, haya aceptado este compromiso institucional. Pues bien, su alegato que llevó el origen del cinematógrafo a las cavernas del paleolítico tuvo un toque de pedante, pero fue una acertada pataleta sobre la democratización del cine, sobre una “apertura” necesaria que no excluyera al espectador y sobre la necesidad de un fervor creativo más dinámico que se abra a nuevas formas de expresión. Las cámaras de la televisión se atrevieron a mostrar el desinterés de la mayoría del público que me probó una vez más la mala educación de las glamourosas estrellas. Esperemos que este nuevo mandato sea para bien y que ese amor desmedido por el cine que manifestó González-Sinde desborde la academia.

También creo que fue acertado la entraga del Goya del Honor, suponemos que por la carrera de toda una vida, a Teddy Villalba, un veterano productor del cine español, procedente de una estirpe de cineastas. A veces pienso que este tipo de reconocimiento al esfuerzo son una jugarreta para provocarle el infarto a los longevos que suelen recibirlo y que no es justo que llegue tan tarde. Pero por lo menos es un consuelo saber que de alguna manera no se olvidan ciertas zonas importantes del cine y esto es bueno.

Al final los filmes más premiados fueron “El laberinto del fauno”, de Guillermo del Toro y “Volver” de Pedro Almodóvar por encima de otras dos requetenominadas como “Alatriste”, de Agustín Díaz Yanes y “Salvador”, de Manuel Huerga. Aunque estas últimas fueron tocadas con algún Goya que esta vez no estuvieron rodeados de escándalos, ni manifestaciones, sólo mucha prensa inquieta y estrellas frívolas, poco flamenco y una feminización brutal en la pasarela para la entrega de los premios. En fin, otra entrega de banalidad camuflada de democratización y dudoso rigor crítico que nos prueba que aunque las alfombras no sean rojas no hay mucha diferencia entre los pavorreales de Cibeles y la ceremonia de entrega de los premios Goya.

Abducidos y rebeldes: los caminos de la televisión (I)

2007-01-27T11:52:00.000-05:00

La gran putada de la televisión es que a estas alturas ya no podemos prescindir de ella. Realmente es un gran chiste snob esas desmesuradas y sectarias palabras de muchos intelectuales de que dicen que no ven televisión, que no soportan los medios, que son una cloaca y que debieran eliminarlos. Declaraciones como esas, que suelen llevar el disfraz de la contracultura, son tan reaccionarias como las declaraciones del Ku Klux Klan. Lo más irónico que aquellos enemigos más acérrimos de los medios al final terminan en ellos y muchas veces no como entrevistados, sino como conductores, presentadores, facilitadores y hasta accionistas de muchos de ellos.

Para ser honestos la televisión es un verdadero “basurero y arcoiris” donde convive desde lo más retrogrado con lo más vanguardista, la mediocridad con el talento. Si algo es cuestionable no es su existencia, ni su historia, más bien su agresividad en pos de raintings que la llevan a crear productos tan escandalosos como obscenos con un desprecio absoluto al humanismo. La televisión española además de caótica es una de la más triviales de Europa, asediada por los enlatados estadounidenses, enlazada cada vez más con políticas empresariales multinacionales y degrada por los programas “del corazón”, en el medio de sus sombras tiene también sus luces. Lamentablemente la relación incestuosa de la publicidad con la programación hacen que la calidad y vida de muchos de sus productos respondan más a una falaz cuantificación de un público dopado por la mediatización cuyo universo audiovisual está condicionado por una tradición de trivialización que ha creado patrones inamovibles con respecto al contenido y la forma de presentar el producto televisivo.

Junto con un “homo videns” hay también un “homo zapping”, un sujeto nacido en la visualidad que ha padecido el empobrecimiento del sistema educacional y que paralelo a los medios, como público, ha ayudado a degradar las formas tradicionales de aprendizaje. Resulta duro que cada vez tengamos menos lectores de libros y más lectores de videojuegos, Internet y la televisión. No va a ser falta la desaparición de los árboles del planeta para que no se pueda adquirir un libro, ya la caída de las ventas es impresionante cuando la de los productos multimediales y la televisión satelital aumentan cada vez más.

Creo que lo peor de la televisión no es su función y utilidad, que puede ser provechosa cuando es bien entendida en una perspectiva no pedagógica, ni imposisitiva de una moralidad ultrajante, sino cuando ella es entendida como una plataforma para ayudar a entender mejor la realidad y a crear espacios fértiles de retroalimentación donde la democracia permita el autoreconocimiento de todas las capas de la sociedad. Lamentablemente sabemos que las apariencias libertarias responden a un capital, un capital politizado que urde los hilos invisibles de la censura, la coerción y la manipulación de contenidos. Hilos que permiten que los medios mientan, agredan, invadan y creen patrones paradigmáticos de una irrealidad fútil donde la democracia de contenidos es un espejismo creado por una agenda reductora soportada en el “directo”, una contingencia y una inmediatez sensacionalista donde lo esencial no es penetrar la realidad, sino mostrar superficialmente trozos de la realidad sin un reflexión honesta.

Hay que reconocer que la televisión le cambió la vida audiovisual al planeta. De las palomitas de maíz, el tiquet troceado en la taquilla, la oscuridad mágica de la sala con pantallas enormes y el delicioso ruido del proyector disparando luz, pasamos a una inmovilidad individualista, sedentaria y asociable que nos convirtió en otros ciudadanos cuando dejamos de ir al cine y nos quedamos frente al televisor, unas veces acompañados y otras solos cuando imponíamos lo que queríamos ver. Para colmo el surgimiento del vídeo fue otro golpe devastador al Séptimo Arte y a su ritual socializador, mítico y amoroso que permitía no solo la cita con los amigos y las novias, también era lugar de encuentro de la familia y aquel esparcimiento regido por la sala oscura ayudaba a una vida social menos fría y más interesante de la ciudad donde el encuentro fortuito, el conocer nuevas personas y el estrechar lazos sociales sobre la magia del cine, creo, nos hacía mejores personas.

Pero los vasos comunicantes de la audiovisualidad permitieron que cine y televisión pudieran coexistir y, aunque la mayoría de las salas de cine padecen un crisis, el cine en su estado más puro de producción-distribución todavía le quedan años por delante. La prueba es que los productores de equipos de televisión cada vez más quieren emular el cine, sus pantallas gigantescas, sus manuales de distribución de audio para los equipos, la calidad de la imagen y la magia de vivir una experiencia única provienen de la magia del cine. Mi predicción es que televisión y cine van hacia una integración, habrá una reformulación de los conceptos de consumo de la audiovisualidad y la experiencia interactiva privada será paralela a un experiencia interactiva pública, de masas, donde del individualismo saltaremos a una socialidad enérgica que humanizará las relaciones sociales.

La televisión dejará de ser un aparato cuadrado y pequeño, se tornará como nosotros mismos decidamos y habitará en nuestra arquitectura. El techo, una parte de la casa, muebles, conjunto de objetos recibirán las señales de la televisión del futuro, pero además la televisión como concepto será reevaluada por las generaciones venideras y el individuo podrá participar de esta, hará en solitario o entre sus más cercanos sus propios programas y los pondrá no sólo en el reino de Internet, sino que podrá transmitirlos a sus vecinos, a sus amigos, hacerlos públicos en la fachada de su casa que no será de hormigón, sino se una sustancia que contendrá las imágenes que querrá compartir con los demás. De hecho manifestaciones como Youtube que propició una plataforma para el audiovisual anónimo, informal y negado por el imperio de las productoras de cine y la televisión, le han dado un vuelco a la manera de producir y hacer audiovisuales, dejando atrás conceptos retrógrados como la definición, la dramaturgia más obtusa y los moldes de hechura hipertradicionales que inmovilizaban un arte tan joven con el del cine. Me río con felicidad porque había quienes pensaban que el mass-media sólo hacía videos cutres y pornos domésticas con las tecnologías que tenían a su alcance. La vida, la realidad, probó que no, que el nivel de creatividad asustó no solo a los emporios mediáticos, sino también a directores de cine y de televisión cuando descubrieron que el hombre de a pie era capaz de tener una libertad creativa insospechada.

De todas maneras el alcance de Internet, el uso de las nuevas tecnologías y las alternativas de expresión como YouTube todavía no pueden competir con los emporios mediáticos cuya solidez estructural es cada vez más vulnerable. Al final tenemos una historia de aducidos y rebeldes que se disputan el espacio de la audiovisualidad. Por ahora tenemos que lidiar con una televisión que no deja de coquetear con el cine, que es cada vez más agresiva y que detracta la calidad siempre y cuando el dinero de los patrocinadores no falte. En España la televisión privada y pública se parecen bastante, pero sobre esto y, en detalle, su programación será lo que nos ocupará en un próximo artículo.

Para no seguir exagerando sobre Match Point

2007-01-26T06:55:00.000-05:00

Woody Allen hace un filme que, aparentemente, no tiene nada que ver con su estilo y la crítica salta eufórica, enloquece, ante un divertimento paródico de lo que es el cine beige. Match Point ni es una obra maestra, ni creo que sea para saltar en las butacas. Tres actos bien dilatados, donde la vértebra es un protagonista acorralado por su condición de amante y hombre pobre, enfrentado a dilemas éticos, filosóficos y existenciales que tienen mejor sabor en Dostoyievski que en Woody.

Antes de proseguir creo que es oportuno que confiese que soy amante de la obra de este autor, que cuando nadie lo defendía, ni lo entendía, por lo menos este humilde escritor se aproximaba a su obra y, a pesar de esa verborrea profusa y densa, admiraba la capacidad de construir sobre el diálogo la mayoría de sus obras rompiendo el mito de la imagen como cáliz del discurso cinematográfico.

Aclarado este punto conviene no exaltarse. Los titulares que levantaban a Match Point a obra maestra son precipitaciones de una necesidad de negar la obra anterior de Woody Allen no muy bien aceptada y considerada por la crítica. Esta euforia colectiva parece un pequeño circo alrededor de un “outsider” cuya carrera, a pesar de sus altibajos, mantiene un rigor y un fervor de los que quedan muy pocos. De espaldas al circuito comercial, desinteresado completamente por los rituales de las alfombras rojas y los premios, siempre ha hecho lo que le ha dado la gana y por suerte, para todos, ha habido productores que se lo han dejado hacer.

Match Point tiene una envoltura que esconde el estilo Woody, su intromisión sociológica en las clases pudientes, su absoluto cinismo, su descarada parodia de Crimen y castigo están solapadas en una narrativa convencional que coquetea con el cine negro y guiña al cine de “sangre y ópera” de Coopola. En ella no hay sorpresas, no hay ese matiz humorístico que tanto nos sobrecoge, simplemente hay una historia como pretexto para una exploración de una clase social y su interacción con las otras. Por lo que considerar este filme como su obra maestra es negar una obra sólida y perdurable, compleja y reveladora, donde abundan piezas indiscutiblemente trascendentes que pueden ocupar esta categoría. Digamos que Match Point es un punto de giro, una nota discordante con oficio y temple dentro de una formalidad que algunos quieren ver como el paradigma de hacer cine.

Hacer cine en Europa: entre la demonización y el festivalismo.

2007-01-19T07:04:00.000-05:00

El previsible monstruo de Hollywood ha destrozado casi todas las “cinematografías nacionales”, salvo la de China y la India por razones más demográficas que de globalización y leyes del mercado. Quizás la más resentida, y también afectada, es Europa con una tradición innegable que ha dado a luz muchos de los genios de este arte tan joven que es el “cinematógrafo”.

Cuando revisas la cartelera cinematográfica a este lado del Atlántico es casi de chiste ver la nacionalidad del filme por castizo que sea la traducción del título. Da realmente la impresión de que estás en los Estados Unidos de América y si quieres acercarte más a la atmósfera yankee no hay que ir muy lejos de los cines para ver los templos de Mac´Donal y Burguer King. menos mal que todavía los europeos disfrutan de la fisonomía de sus ciudades y no han dejado que se les americanice su arquitectura. Pero si quieres ver cine europeo en Europa tienes que hacer un esfuerzo fenomenal no sólo en la nutrida cartelera que va desde los cines más selectos de “versión original” a las simples salas triple X –aunque en esta zona los franceses son los únicos que compiten con decoro–, sino también hasta la televisión por cable. Menos mal que existen tiendas como Fnac y algunos videoclubs –que resisten estoicamente contra el proceso de extinción de cinéfilos.

A simple vista todo suena a “échale la culpa al yankee”, pero esta opinión que está en boca de cineastas, críticos, productores y como era de esperar cinéfilos. Si bien es cierto que la disciplina industrial cinematográfica de EUA es más que agresiva, invasiva, no creo que sea prudente culpar al “demonio imperial” de una manera tajante como si el cine de otras latitudes no hubiera tenido nunca la oportunidad de enfrentar cara a cara la pandemia cinematográfica made in USA que ha contaminado al factor fundamental de la cadena prodrucción-distribución: el público.

Tampoco creo que severas políticas nacionales, tendenciosas con tintes fascistas, sea la solución para moderar el fenómeno de la saturación del mercado por la cinematografía norteamericana. El proteccionismo, aunque puede ayudar a regular un poco, a la larga es una manifestación, no tanto de incapacidad industrial, como de incapacidad competitiva que refleja con creces las raíces de un conservadurismo nada positivo. Y esto es muy interesante en el plano sociológico industrial, la sociedad norteamericana en apariencias es muy libertaria, para nada, la tradición conservadora tiene unas raíces emparentadas con la xenofobia, el racismo y la discriminación a la mujer que casi son invariables. Sin embargo el cine yankee se ha enfrentado a todo esto y a pesar de las altas y las bajas ha creado su propio imperio que sobre el desparpajo de la libertad hacen que bodrios y obras maestras sean tan consumibles como una Coca-Cola y el Público las prefiera por encima de cualquier otra cosa.

A mi juicio Europa no supo responder al “lenguaje comercial”, y cuando hablo de comercial no me refiero a la mierda que viene en papel de regalo, me refiero a todo aquello susceptible de ser vendido y consumido en mayor o menor escala según la calidad. Monto en cólera cada vez que subnormales que pasan por críticos y cineastas obtusos confunden lo “comercial” con las heces olvidando el carácter industrial y masivo del cine. es cierto que algunas fórmulas de empaquetado, de escritura y hechura cinematográfica ya son manualescas, que pasan por beige enmascarando lo trivial y vacuo, pero las reformulaciones del lenguaje que generó la Nueva Ola, el Free Cinema, etc... se quedaron en un cine de autor denso, tan íntimo como un diario personal sin fechas con las hojas sueltas y sin enumerar. El mal llamado “cine de arte” –entendido sólo por aquellos que lo hacen y otros que cedemos ante la provocación cuando estamos de paso– olvidó al público y los autores prefirieron entenderse más entre ellos que llegar a quien en el fondo pagaba las producciones: el hombre de a pie, el obrero, la ama de casa, el jubilado.

Aunque la anterior oración suena marxistoide creo que fue así. El cine europeo cada vez más de autor y de tesis le volvió la espalda al público, eso provocó inevitablemente que se experimentara un caída proverbial en las taquillas y por defecto un desasosiego en quienes producían el cine. Así que de la pasión ciega de los primeros años del cinematógrafo se pasó a un fervor creativo que alcanzó los lúcido sesenta y ya hacia los setenta comenzó un declive que no ha cesado hasta ahora.

Ya sé que algunos sectarios estarán pensando, pero este hombre ¿se olvidó de las dos mundiales que vivió Europa? ¿De los años de depresión de la posguerra? No, para nada, las dos guerras fueron atroces, generaron una migración masiva de quienes hacían cine en Europa, mataron a otros, acabaron con la infraestructura industrial y dejaron casi en cero a las cinematografías de los países del viejo continente, acabando incluso con su patrimonio. Pero al margen de estas desgracias la recuperación de Europa fue impresionante como lo fue la recuperación la pasión de hacer cine, un cine sobre la experiencia misma de las atrocidades de la guerra, sustancioso y vigoroso, que en su competición con el cine norteamericano extravió el lugar de público permitiendo que el cine foráneo hechizara a quien pagaba la taquilla. Si a esto agregamos el advenimiento de la televisión, el vídeo cassette, el DVD, la computación y la piratería todo se agrava.

Por otro lado creo que la poca valentía de los productores europeos y el temor a reconquistar al público contra la parafernalia del audiovisual yankee han motivado que sea cada vez más difícil producir en Europa. Para colmo hay ciertas taras de los productores europeos que no los dejan ser más agresivos con la selección de proyectos y su ejecución. Hay un grupo de condiciones que no han dejado que crezcan con naturalidad y son inviolables. Para empezar tienen que tener financiamiento del gobierno, casi nunca se arriesgan solos en ninguna empresa, todo debe ser de mediano presupuesto, no invierten lo que debieran en publicidad y distribución, tienen una debilidad fatal por la comedia, el realismo los mata y no suelen invertir en desarrollo de guiones, en potenciar al máximo esta zona, confunden lo cotidiano y aburrido con la metafísica y el cine de autor. En fin, pudiera citar otras más, pero podrían resultar ofensivas. Claro, claro que hay productores europeos con un par de cojones bien puestos y creo que esos son los que además de hacer dinero fecundan el cine, pero de esos hay muy pocos.

Por suerte hay infinidad de comisiones, grupos y fundaciones que apoyan el cine europeo, que propician la coproducción y oxigenan el talento joven. Pero esto ha llevado por caminos nocivos. El primero el de mimetismo, el de la réplica de las superproducciones de Hollywood ni con el más mínimo color local y el otro, el de la exaltación de un cine de autor desmedido, todos aplaudimos, pero que es de laboratorio, hecho para festivales y circuitos de élite donde otra vez se le da la espalda al público. Y de esto no está exento nadie, también pasa en Latinoamérica, en los propios Estados Unidos y en Asia. Porque creo que si tan difícil es hacer cine de autor bien “espeso”, tan difícil es hacer un cine que, sin trivializar el lenguaje, ni tratar como niños al espectador, pueda ser arte y llegar a un público plural. Ya se que parece una utopía, pero entonces ¿por qué hay tantas obras del cine universal que el tiempo pasa y pasa y su público es cada vez mayor.?

Triste, solitario y final: monólogo del guionista

2007-01-18T06:14:00.000-05:00

Pido mil disculpas a todos aquellos que siguen este blog. El silencio es una especie de veneno y ahora, al cabo de cumplir un año en la Red, hay que comenzar a vencerlo. Quizás ahora es mucho más difícil que antes ya que ahora no escribimos desde la Isla, sino desde Madrid. La vorágine de la superviviencia y la resaca insular en medio de la niebla invernal propicieron que hiciera silencio. Por otro lado durante octubre y diciembre de 2006 trabajé en el proyecto de largometraje que me trajo a España gracias a la beca de Fundación Carolina y a la gracia de Casa de América en Madrid. Para romper el hielo abrimos con algo incalificable, pero que puede ser también el espejo de aquellos que se dedican al duro y difícil oficio de escribir imágenes.

Terror al final. Es sólo eso. Un miedo que va desde lo síquico a lo espiritual. En meses no has hecho otra cosa que pensar en tu guión, que pensar que eres mejor que Tarantino y que Iñárritu; mejor que cualquier cretino salariado de Hollywood. Logras meterle el cuerpo a la primera escena, ves la segunda y hasta la tercera. Dibujas en un papel una rara estructura que sólo tú entiendes y un entusiasmo entraño invade tus arterias. Pero después de la página 50, lo que llamaríamos la escabrosa zona del desarrollo te vuelves a parar. Dudas, piensas que lo que has escrito es una mierda, que el último productor destrozó tu argumento, que no has escrito lo que debe estar en el papel, que andas perdido, extraviado en las tinieblas de las tramas, las subtramas y la polla divina de los manuales cretinos que lo único que hacen es que todos hagamos películas con nombres distintos y tramas iguales. Sólo falta un revolver de un calibre grueso para jugar a la ruleta rusa y una sobredósis por si falla la bala. El ordenador está vacío, encendido, lleva semanas así, pero a ti te importa un bledo. Compras un litro de vodka porque ni las balas y las drogas hacen nada, lo mezclas con zumo de manzana, pones a Tom Waits, en definitiva ha hecho de Jim Jarmus lo que es. Te desnudas, saltas como un salvaje, riegas mil papeles por el suelo, comienza a ver la cabrona historia, ves cosas que son escandalosas, que tienen sexo explícito y sangre, pero piensas en el cretino del productor que sólo entiende de bajos costos, pocos personajes y nada de efectos especiales. Mierda, no tengo cojones para hacer una peli de dos personajes en una locación, sin música y efectos especiales, te dices. Qué mediocre soy. Pero no, no eres mediocre, eres la polla misma, el cabrón más creativo de la historia de la humanidad, pero no te das cuenta, no lo sabes y el único alimento es el desprecio hacia ti mismo que sueltas frente al espejo: “Are you talking to me?” Lo peor es que has cambiado tanto la historia como se mudan los vellos de tus cojones, has tratado de agradar a tantos productores que ya no sabes lo que quieres, has tratado de vender algo de tantas maneras que los subnormales con estudios mercado han conseguido arruinártelo. Quita la sangre, pon una señora de edad, chico conoce a chica, la violación es muy fuerte, nadie hace eso, ¿y esa es la realidad?, no, no venderíamos los derechos a la televisión. Tu cabeza está hinchada, es como si hubieran puesto gasolina en el cerebro con el monólogo del Ulyses al mismo tiempo. Pinga, esta pinga no la van a entender en el país donde vives ahora mismo, así que mejor gritamos polla, polla, repolla, qué demonios estoy haciendo. Pero el conjuro no sirve, eres un maldito escritor que llega de último, que se quiere colar en el cine europeo con temas que son demasiada actualidad y para colmo no respetan las cabronas reglas. Si no hubiera consumido tanta disociación en la Isla. Bien, vamos a concentrarnos, vamos a creer que hacer un cine con sello propio y sabor a mí no es una pesadilla. Sí, las fuerzas parecen volver de nuevo, parecen querer dejar a un lado el revolver que apunta a la cabeza y dejar que las palabras fluyan. Te sientas al ordenador, revisas palabra por palabra de las primeras escenas y de momento explota algo que te ilumina. La pinga (polla) se te pone dura y los pelos se te paran, ahí mismo van los dedos a teclear ideas locas, descabelladas, trastocas el tiempo, enredas la trama, pones cifras, haces guiños que no se parecen a las exquisitas pelis de Hollywood, ni a al más raro cine europeo que tratando de decir no dice nada en su linealidad y realidad pasmosa. De ti sale un mundo personal y raro, con un toque de realidad que le recuerda a todos que todo es pura apariencia y que al final, hágase lo que se haga estamos en los terrenos de la ficción. Es la brisa de la creatividad enloquecida lo que pasa por nuestras páginas, no la van a sentir los productores obtusos, no se van a enterar los famosos “doctores de guiones”, todos los cretinos permanecerán con sus peinados intactos y el traje limpio de palabras obscenas. Pero has logrado atravesar ese guión que te comía la cabeza, tienes algo más que ciento veinte páginas y has hecho, al final, lo que te ha salido de los cojones. Quizás nadie te compre el guión, quizás nadie quiera arriesgarse con tu magia y hasta puede que te mueras de hambre o termines de portero en una discoteca. Total, no hay apuro, el mundo está lleno de cretinos y Buñuel comenzó a hacer cine después de los cuarenta.

Lo que ocurrió con Casino

2006-08-13T15:45:00.000-04:00

Cuando no puedo hacer cine veo cine, devoro una cantidad increíble de cine, incluido el cine basura. La porquería más grande hecha en el cine soy capaz de verla. ¿Por qué? Porque hace ya mucho tiempo dejé atrás las poses intelectuales, las idioteces del extremismo culturulógico, me aparté de la aristocracia cultural y aprendí a leer el cine con una actitud crítica que no dejé se convirtiera en una molestia. Con eso aprendí que no hay cine, por bueno o malo que sea, que no te enseñe algo.

Son muchos los grandes directores que me han desilusionado, pero también son muchos los que sin tener un nombre han sido capaces de asombrarme con un solo plano, una secuencia, un entramado dramatúrgico, una dirección de actores impresionantes y hasta una dirección de arte mejor que la propia película. Supongo que es hora de superar las taras intelectuales de un cine “profundo”, “artístico”, “de culto”. Mis respetos a todos los que creen en esas etiquetas, mis respetos para todos los que no consumen otra cosa que “clásicos” y “rarezas artísticas”. Lamentablemente en muchas universidades pululan ideas como esta, ciertos círculos académicos han creado un gueto séptico intelectualizado con un cabrón sabor a moda, tendencia, posición militante con carisma de élite, de minoría en extinción. Al final descubrimos que no son más que puras mierdas, que la academia se nutre de todo lo transgresor que se convencionaliza y que al final lo más importante, más importante que trascender o lograr hitos artísticos, es decir algo con placer, con la mayor libertad del mundo para que otros los disfruten.

Sea quién sea, así el director más mentado, más premiado, más raro, más de culto, si me aburre no llega a ningún lado conmigo. Confieso que muchas veces soy demasiado sincero y eso en la mayoría de las ocasiones suena a indisciplina. Todavía no he abucheado a nadie, todavía no le he soltado improperios a nadie, pero si he dejado muchos filmes a medias, incluso en los mismos créditos.

Después vienen las horas del autoreproche, del mea culpa. A mí no me gustaría que nadie me hiciera alfo así con mis obras, me digo. Al final termino volviendo sobre el filme y con el tercer pulmón, un raro brote de disciplina extrema que a veces tengo, digiero la propuesta. Increíblemente esto me ha servido para mejorar mi nivel de lectura activa, entender mejor la relojería secreta del cine y así lograr herramientas de trabajo escriturales sorprendentes.

Algo similar me había ocurrido con “Casino”, confieso que Scorsese es de mis favoritos, había intentado varias veces ver el filme, pero a los quince minutos comenzaba a aburrirme, a disgustarme, enseguida dejaba de prestarle atención, me ponía a jugar con el control remoto, saltaba del video a la TV y viceversa hasta que lo dejaba plantado. La primera vez que se lo comenté a mis amigos casi me empalan, cómo demonios un aprendiz de cineasta iba a meterse con el Maestro, te volviste loco, me dijeron, “Casino” es otro clásico que hace una indagación sociológica increíble sobre la sociedad americana, además es capaz de desmontar la sicología grupal de los gansters… En fin, me callaron la boca y decidí no discutir más del asunto.

La voz en off vertebrando la riqueza visual, la calidad histriónica de las estrellas y el tono de la narración eran suficiente para clavarte en la butaca, sin embargo algo sucedía que por encima de la voladura del Cadillac de De Niro, los arranques iracundos de Joe Pesci y los logrados matices melodramáticos de Sharon Stone, me seguía aburriendo. ¿Por qué, qué me sucedía cuando no había dejado de ser un desmedido y apasionado cinéfilo a pesar de comenzar mis pasos en el cine?

Entonces descubrí que estaba enfermo, que mi enfermedad se había agudizado mucho más con el consumo excesivo de filmes. Tenía filmofilia crítica, en su estado más severo. Por esta causa ya no podría ver ninguna película pasivamente, no podría tragar ni un solo tramo de celuloide sin antes haberlo digerido a la perfección. Claro, no nada gracioso estar en una luneta anticipándonos a la historia, contando la cantidad de planos, desmenuzando la competitividad histriónica. En ese cruel estado estaba cuando me enfrenté a “Casino”, por eso me aburría. Entonces traté de interesarme por el submundo del juego y el delirio de Las Vegas, me anclé en la butaca y vi dos veces la película para descubrir mi verdadero rechazo.

Scorsese se había vuelto literal, reiterativo. La voz en off describía una serie de acciones y allá iba la cámara a contarte lo que la palabra había hecho. Las acciones no podían ser más predecibles y para colmo su admiración escandalosa por los gángsters lo hacía redondear un estereotipo de cine de clase B donde De Niro luce como un bandido santurrón con reglas y normas “suaves” para que no dejara de simpatizarle a nadie. Menos mal que la excelente dirección artística y el estilo fotográfico aderezaban el argumento, pero ni aún así podía disfrutar “Casino” como lo había hecho con otras obras de su autoría. Con perdón del Maestro y de mis amigos sigo enfermo de filmofilia y lo que me aburre me mata.

Consejos imprudentes de un cinéfilo que devino guionista II

2006-07-13T14:50:00.000-04:00

Siempre me ha parecido dudoso achacarle el cine de autor a los franceses, quizás fueron ellos los que se tomaron muy a pecho eso del “hombre orquesta” haciendo énfasis en la centralización de la dirección y la escritura del guión por un único autor. Tampoco me agrada la idea de creer que el cine de autor privilegia los filmes artísticos a los comerciales, esto tan manoseado por la crítica es una perfecta burrada, ya que bueno o malo todo cine es arte y por defecto, lo quieran o no, un objeto de consumo. Así que estamos ante una formulación errónea.

Me fastidia que todo lo oscuro, altamente denso y en exceso personal lo conviertan de inmediato en una obra maestra del llamado “cine de arte”. Al parecer ser aburridos y tratar al espectador como un sujeto ignorante parece ser la marca de los niños mimados por la crítica que olvidan que entretener también es un arte y de los más difíciles cuando esto se hace con buen gusto y cotas de calidad altas.

La base del cine inevitablemente es escritural, depende de esa columna que vertebra su discurso, conectada inevitablemente a la literatura. Pero esta conexión es más bien dramatúrgica, no estilística, porque escribir guiones no es hacer literatura aunque se llenen estos de metáforas. Abunda una idea idiota de que todo guionista es mejor guionista si ya pasó por la literatura, sobre todo la narrativa. Esto es una total falacia, la literatura te deja vicios que de no ser superados no se alcanzaría el más mínimo oficio para ser guionista.

Ah, claro, obras de la cultura universal abren caminos y también la mente. Novelas, relatos, ensayos y hasta viñetas pueden iluminar culturalmente a quien quiera dedicarse a escribir guiones. Pero cuidado, lo que en la literatura es un éxito, en el guión es un fracaso. Al guión no deben llegar extensas oraciones subordinadas, no debe llegar el exceso de recursos poéticos, no debe llegar el diálogo como relleno. Recordemos que el guión es ante todo una herramienta, el soporte de un proceso constructivo, el plano a distintos niveles de un gran edificio que otros habitarán.

La visualidad debe primar ante todo y, aunque soy alérgico a la palabrería, es vital también saber dosificar el diálogo en la medida que la historia lo requiera. Más que escribir guiones creo que debiéramos hablar de diseño de guiones, si revisamos bien el proceso podemos percatarnos de que se le dedica más tiempo a la elaboración de los conceptos, el diseño de personajes, y el desarrollo de la trama que a escribir el cuerpo de lo que sería un primer borrador del guión definitivo. Hay quienes, cada cual tiene su librito, prefieren escribir en directo, "al duro y sin guante" y después hacer estructurar sobre lo construído unas veces con más intuición que con oficio y viceversa.

Sin embargo, ahora que nos hemos llevado nuestras productoras a casa, que la brecha de lo digital y lo analógico se cierra cada vez más, que la HD (High Definition) abarata costos y el software es cada vez más intuitivo y accesible monetariamente, con curvas de aprendizajes aceleradas, la escritura de guiones requiere de ciertos conocimientos que antes no eran necesarios, sobre todo porque el “autor” como hacedor, no como mito, se reafirma ante este abrevadero tecnológico que permite que un cineasta grabe un corto, lo edite en casa, haga DVD´s e incluso imprima su propio poster.

Aquí asistimos a una especie de destrucción de la multidisciplina, a una dudosa negación del guión y otras especialidades. Los artistas digitales que se mueven entre el documental y el video-arte, que exploran las potencialidades de la tecnología con menos racionalidad que los cineastas de academia, saben de qué hablo. Este poder festinado y dúctil de manejar la materia digital trajo ha traído una oleada de “autores” que suben y bajan de Internet sus clips. De alguna manera esta práctica ha disuelto el trabajo del guión para mal, exaltando el experimento descontrolado de la producción de audiovisuales. Muchos de estos nuevos creadores obvian cualquier principio de organización escrita de las ideas, y cualquier desarrollo escrito de conceptos y dramaturgia, extraviándose en discursos plagados de efectos, donde el abuso de lo técnico es la vanagloria de la creación ilimitada.

De ninguna manera este artículo pretende negar el festín creacional que ha propiciado el universo digital, de ninguna manera estas palabras atacan una zona importante del saber artístico donde los creadores se mueve con mucha más libertad que los cineastas en el sentido más tradicional de la palabra. Más bien, es una alerta, un llamado de atención a la necesidad de incorporar en la escritura de guiones este saber que puede enriquecer toda expresión artística que pretenda inscribirse en los terrenos del audiovisual.

Consejos imprudentes de un cinéfilo que devino guionista I

2006-07-08T14:10:00.000-04:00

Todos alguna vez nos hemos preguntado cómo se escribe un guión. Esta pregunta parece tonta, sobre todo cuando has tenido una formación especializada. El que más y el que menos, que ha intentado creer que es un guionista o que cuenta con la capacidad para ello, ha matriculado algún que otro curso, aunque hay quienes jamás lo han hecho y son excelentes profesionales. Pero la pregunta de cómo se escribe un guión jamás llega cuando somos novatos, llega cuando nos hemos probado en el terreno y tenemos, por lo menos conciencia, de que cuando nos sentamos a escribir sale una historia que no sirve para otra cosa que no sea para el cine.

Después de quedar miope leyendo y releyendo libros, manuales, formularios, recetas, artículos y entrevistas sobre las esencias y en non plus ultra del guión cinematográfico, cada vez sé menos de cómo se escribe un guión. Las reglas escritas en piedra de Hollywood, las tendencias escriturales europeas, la manera expositiva oriental y el recetario personal de algunos cineastas lucidos no hacen más que asfixiarme y entre los productores obtusos y el sectarismo de los grandes estudios estoy realmente hasta los mismísimos cojones.

Siempre he creído que los decálogos, los consejos, y las fórmulas no deben ser camisas de fuerza, más bien luces sobre el camino, anunciación de secretos y tentación constante a creer en uno mismo. Por eso es que cuando uno está saturado de la “metatranca” (sustancia altamente densa de la zona teórica) y de los idiotas, no tienen otro nombre, que creen que las reglas son el único asidero, uno termina preguntándose cómo se escribe un guión de alguna factura y algún vuelo.

Todos hemos querido escribir el gran guión de nuestra época, la megalomanía y el ego si te lo tomas en serio terminan devorándote. Ese trascendentalismo y ese afán de hito no hace más que alejarnos de la realidad del oficio de escribir buenos guiones. Pero, ¿cómo demonios se escriben buenos guiones?

Lo primero es estar seguro de que queremos escribir cine, pensar cine, soñar cine y rezumarlo por los poros. Si al menos alguna de esas cosas no te suceden, ni lo intentes. Se puede escribir tres actos muy bien estructurados, con sus giros argumentales en la página precisa, modelar un clímax a tiempo y cerrar las 90 o 120 páginas con un epílogo que ni Shakespeare teniendo un amor por el cine como los licántropos aman a los vampiros, pero eso no basta. Si malo es la ignorancia técnica, fatal es el oficio frío y álgido que responde más a la matemática que a las emociones. Un guionista no es un sujeto flemático que sacaba buenas notas en ciencias, no es un ser ordenado, ni racional, ni pragmático; un guionista es un cinéfilo adicto que se cansó de que hicieran bodrios, que descubrió la relojería del discurso fílmico y decidió construir su propia maquinaria, no para impresionar, sino para fascinar y deleitar a otros, ah y ganar el pan.

Soy de los que no le gusta aburrirse, de los que no soporta la nadería, ni la maraña verbal, supongo que los que amen el buen cine también les pase. Por lo cual, de aquí se desprende que no debemos aburrir, pero cuidado, no confundamos las cosas, para vencer el aburrimiento no es necesario crear un personaje que mate a seis personas en los primeros minutos, después realice un ritual satánico donde se convierte en camaleón y los marcianos atacan a la media hora creando un caos en la tierra, todo sazonado con balas plutónicas, ovnis, megatsunamis, erupciones volcánicas y travestís caníbales que deambulan por ciudades góticas. Ufff, despacio, constante acción y giros dramatúrgicos bruscos espantan, no “enganchan” ni al peor de los espectadores, además el tremendismo exaltado a niveles nocivos es síntoma de esterilidad de pensamiento, aunque podríamos ganar una Frambuesa de oro.

Si violamos un poco esos lapidarios principios de Hollywwod con materia interesante que provoque la curiosidad del espectador, si armamos un entramado que sorprenda, no que engañe, y logramos contar con un ritmo interno propio, entonces estamos logrando un guión bueno, que no quiere decir que es el gran guión, ni el que sofocará las taquillas con sus éxitos. Por otro lado, la incapacidad para evaluar lo nuevo, la necesidad de etiquetar y enjaular el estilo, ha provocado que los críticos endiosen todo aquello que no entienden, que aburre y que es culturulogicamente denso, incluso son capaces de endiosar el glamour melodramático, la lloradera asqueante y lastimosa para contraponerlo al cine de “acción” comercial y barato. Si a esto le añadimos que toda arqueología, pieza empolvada de la cinematografía con ciertos aires extravagantes y alguna escena memorable, tiende a convertirse en clásico, no es difícil percatarse de que escribir guiones es tan riesgoso como volar prototipos de aviones de guerra. Así que no te preocupes si construyes una secuencia de alguien con una antorcha iluminando una cueva durante quince minutos sin diálogos, ni música. Si esto se logra producir, ya alguien dirá que es arte y siempre hay quienes tienen gustos que merecen palos.

Abierta la convocatoria de La Boca del Lobo

2006-07-07T18:40:00.000-04:00

Condiciones generales

A) El Festival se desarrollará en el club La Boca del Lobo, c/ Echegaray 11 de Madrid del 20 al 29 de Octubre de 2006 y podrán participar en él realizadores de cine de todo el mundo.

B) Se establecen SEIS CATEGORÍAS COMPETITIVAS:

1ª - Nacional

2ª - Guión Nacional

3ª - Internacional

4ª - Animación

5ª - Cortito (Duración Máxima 3 minutos)

6ª - Eroticorto

La duración máxima de los cortometrajes será de 25 minutos y podrán haber sido rodados en cualquier sistema, tanto analógico como digital.

C) Los trabajos deben haber terminado su producción después del uno de Enero de 2005.

D) Todos los cortometrajes seleccionados se proyectarán exclusivamente en sistema VHS o DVD PAL.

E) Todos aquellos cortometrajes cuyos diálogos originales no estén en castellano deberán estar subtitulados en dicho idioma. Si no es así serán rechazados. Os rogamos que aquellos cortometrajes que sus diálogos estén en castellano nos los mandéis con subtítulos en inglés.

F) Los VHS o DVD enviados permanecerán en poder de la organización. A no ser que sean reclamadas por el autor, el cual correrá con los gastos de envío.

G) Las obras serán seleccionadas por un Comité de la Organización, el cual notificará el resultado de la selección antes del 30 de Septiembre de 2006.

H) La Organización acordará la selección, fecha y orden de exhibición de los cortometrajes que participen dentro del Festival de Cortometrajes “La Boca del Lobo” y del Festival Itinerante. En el Festival Itinerante solamente se proyectarán aquellos cortos en los que la persona responsable de cada trabajo lo autorice expresamente.

I) El Jurado Oficial, compuesto por profesionales del medio cinematográfico, la cultura y la comunicación será el encargado de otorgar los premios. Los premios otorgados serán para el Director.

J) Las decisiones, tanto del Comité de Selección como del Jurado Oficial, serán inapelables.

K) La inscripción se realizará enviando una cinta VHS (PAL) o un DVD a la organización antes del 13 de Septiembre de 2006 junto con la ficha de inscripción y una fotografía del cortometraje (puede ser en JPG), indicando claramente la categoría en la que se inscribe ( 1ª, 2ª, 3ª, 4ª, 5ª o 6ª). Podéis mandar vuestra inscripción por E-mail a: festival@labocadellobo.com

M) La inscripción implica la aceptación de todas las bases.

N) Premios. Se otorgarán los siguientes premios*:

Mejor Cortometraje Nacional (3000€)

Mejor Guión Nacional (1500€)

Mejor Cortometraje Internacional (1500€)

Mejor Cortometraje de Animación (1500€)

Mejor Corto Erótico (1.500€)

Mejor “Cortito” (1000€)

*Los impuestos correspondientes serán descontados de los premios

DIRECCIÓN DE ENVÍO:

IX Festival Internacional de Cortometrajes

“La Boca del Lobo”

A. P. 18198

28080 Madrid (España)

Contacto: +34 91 523 1391, Mail: festival@labocadellobo.com

Web: www.labocadellobo.com